TERCER PERIODO
Barroco y Rococó
Planeación para grado octavo semanas 37, 38 y 39
Objetivo General:
Comprender las características principales del movimiento artístico rococó, reconociendo sus diferencias y similitudes con otros movimientos, y aplicando estos conocimientos en el análisis de obras de arte.
Contenidos:
Contexto Histórico y Social del Rococó:
Hartazgo de la pompa barroca: El Rococó surgió como una reacción al excesivo formalismo y dramatismo del Barroco. La aristocracia buscaba un estilo más ligero y elegante, alejado de la solemnidad de la corte de Versalles.
La vida en los salones: La vida social se centraba en los salones, donde se reunía la aristocracia para conversar, jugar y disfrutar de la música y el arte.
Culto a la belleza y el placer: El Rococó celebraba la belleza, el amor y el placer, reflejando un estilo de vida más hedonista y despreocupado.
La importancia de la mujer: La mujer adquirió un papel más prominente en la sociedad, y el arte rococó la representa como un ser delicado, sensual y refinado.
Características del Rococó reflejando el contexto:
Elegancia y delicadeza: Las líneas curvas, los colores pastel y los motivos florales caracterizan al Rococó, creando una atmósfera de suavidad y refinamiento.
Asincronía y movimiento: Las composiciones rococós son más libres y espontáneas, con figuras en movimiento y elementos decorativos que crean un efecto dinámico.
Temática amorosa y galante: Los temas amorosos, pastoriles y mitológicos son frecuentes en el arte rococó, celebrando la belleza y el amor.
Intimidad y sensualidad: El Rococó busca crear atmósferas íntimas y sensuales, representando escenas de la vida privada y el amor.
El Rococó: Elegancia y Delicadeza
Origen y Desarrollo
El Rococó surgió en Francia a mediados del siglo XVIII como una evolución del Barroco. Este movimiento artístico se desarrolló principalmente en los círculos aristocráticos y burgueses, quienes buscaban un estilo más ligero, íntimo y elegante en comparación con la grandiosidad del Barroco.
El Rococó se extendió rápidamente por toda Europa, influyendo en la pintura, la escultura, la arquitectura y las artes decorativas. Su nombre proviene del francés "rocaille", que significa "concha", haciendo referencia a las ornamentaciones curvas y asimétricas que caracterizan este estilo.
Características Principales
Elegancia y delicadeza: Las líneas curvas, los colores pastel y los motivos florales son elementos clave del Rococó, creando una atmósfera de suavidad y refinamiento.
Asimetría y movimiento: Las composiciones rococós son más libres y espontáneas, con figuras en movimiento y elementos decorativos que crean un efecto dinámico.
Ornamentación: El Rococó se caracteriza por una exuberante ornamentación, con motivos vegetales, conchas, guirnaldas y figuras mitológicas.
Colores claros y luminosos: Los colores pastel, como el rosa, el azul y el verde, predominan en las obras rococós, creando una sensación de alegría y ligereza.
Temática amorosa y galante: Los temas amorosos, pastoriles y mitológicos son frecuentes en el arte rococó, celebrando la belleza y el amor.
Intimidad y sensualidad: El Rococó busca crear atmósferas íntimas y sensuales, representando escenas de la vida privada y el amor.
Exponentes Destacados
Jean-Antoine Watteau: Considerado el padre del Rococó, sus obras se caracterizan por la representación de fiestas galantes y escenas pastoriles.
La peregrinación a la Isla de Cítera: Una de sus obras más famosas, que representa a un grupo de amantes que se dirigen a la isla de Cítera, considerada la isla del amor.
François Boucher: Pintor francés conocido por sus obras sensuales y alegres, que representan a mujeres hermosas en paisajes idílicos.
El baño de Diana: Una obra que muestra a la diosa Diana bañándose con sus ninfas, en un ambiente de gran sensualidad.
Jean-Honoré Fragonard: Pintor francés que se destacó por sus escenas galantes y llenas de erotismo.
El columpio: Una de sus obras más conocidas, que representa a una joven que se balancea en un columpio mientras su amante la observa desde abajo.
Obras Representativas
El Rococó se manifestó en diversas disciplinas artísticas:
Pintura: Retratos, escenas galantes, paisajes idílicos y naturalezas muertas.
Escultura: Figuras femeninas delicadas, grupos escultóricos para jardines y mobiliario.
Arquitectura: Interiores de palacios y residencias aristocráticas, con una decoración exuberante y elementos curvilíneos.
Mobiliario: Muebles de madera tallada y dorada, tapizados de seda y muebles de marquetería.
.
Actividades por Clase:
Clase 1: Exploración y Conocimiento Previo
Actividad:
Presentación de imágenes de obras de arte sin identificar el estilo.
Lluvia de ideas: ¿Qué emociones transmiten? ¿Qué características observan?
Creación de un mural colaborativo con las primeras impresiones sobre ambos estilos.
Clase 2: Información Teórica: Barroco
Actividad:
Exposición sobre el contexto histórico y las características del Barroco.
Análisis de obras de Caravaggio, Bernini y Velázquez.
Creación de un cuadro comparativo entre el Renacimiento y el Barroco.
Clase 3: Información Teórica: Rococó
Actividad:
Exposición sobre el origen y desarrollo del Rococó.
Análisis de obras de Watteau, Boucher y Fragonard.
Comparación entre el Barroco y el Rococó.
Clase 4: Práctica y Transferencia: Creación Artística
Actividad:
Elección de un estilo (Barroco o Rococó).
Creación de una obra de arte individual o en grupo inspirada en el estilo elegido.
Presentación y justificación de las decisiones artísticas.
Clase 5: Evaluación y Reflexión
Actividad:
Exposición de las obras creadas.
Evaluación escrita sobre los conceptos clave.
Reflexión grupal sobre el proceso creativo y los aprendizajes adquiridos.
Materiales:
Rúbrica de evaluación.
Criterios de Evaluación:
Conocimiento: Comprensión de los conceptos clave, identificación de las características de cada estilo y capacidad para relacionarlos con obras de arte.
Análisis: Habilidad para analizar obras de arte, identificando elementos formales y contenidos.
Creatividad: Capacidad para aplicar los conocimientos adquiridos en la creación de obras de arte originales.
Comunicación: Habilidad para expresar ideas de manera clara y coherente, tanto en forma oral como escrita.
Materiales Adicionales:
Libros de arte
Películas sobre arte
Visitas a museos virtuales o reales
observación de este video y responder preguntas
https://www.youtube.com/watch?v=QswUeee74-I
¿Qué fue el ROCOCÓ? - Resumen | Definición, características y representantes.
Barroco y Rococó
Planeación para grado octavo semanas 37, 38 y 39
Objetivo General:
Comprender las características principales del movimiento artístico rococó, reconociendo sus diferencias y similitudes con otros movimientos, y aplicando estos conocimientos en el análisis de obras de arte.
Contenidos:
Contexto Histórico y Social del Rococó:
Hartazgo de la pompa barroca: El Rococó surgió como una reacción al excesivo formalismo y dramatismo del Barroco. La aristocracia buscaba un estilo más ligero y elegante, alejado de la solemnidad de la corte de Versalles.
La vida en los salones: La vida social se centraba en los salones, donde se reunía la aristocracia para conversar, jugar y disfrutar de la música y el arte.
Culto a la belleza y el placer: El Rococó celebraba la belleza, el amor y el placer, reflejando un estilo de vida más hedonista y despreocupado.
La importancia de la mujer: La mujer adquirió un papel más prominente en la sociedad, y el arte rococó la representa como un ser delicado, sensual y refinado.
Características del Rococó reflejando el contexto:
Elegancia y delicadeza: Las líneas curvas, los colores pastel y los motivos florales caracterizan al Rococó, creando una atmósfera de suavidad y refinamiento.
Asincronía y movimiento: Las composiciones rococós son más libres y espontáneas, con figuras en movimiento y elementos decorativos que crean un efecto dinámico.
Temática amorosa y galante: Los temas amorosos, pastoriles y mitológicos son frecuentes en el arte rococó, celebrando la belleza y el amor.
Intimidad y sensualidad: El Rococó busca crear atmósferas íntimas y sensuales, representando escenas de la vida privada y el amor.
El Rococó: Elegancia y Delicadeza
Origen y Desarrollo
El Rococó surgió en Francia a mediados del siglo XVIII como una evolución del Barroco. Este movimiento artístico se desarrolló principalmente en los círculos aristocráticos y burgueses, quienes buscaban un estilo más ligero, íntimo y elegante en comparación con la grandiosidad del Barroco.
El Rococó se extendió rápidamente por toda Europa, influyendo en la pintura, la escultura, la arquitectura y las artes decorativas. Su nombre proviene del francés "rocaille", que significa "concha", haciendo referencia a las ornamentaciones curvas y asimétricas que caracterizan este estilo.
Características Principales
Elegancia y delicadeza: Las líneas curvas, los colores pastel y los motivos florales son elementos clave del Rococó, creando una atmósfera de suavidad y refinamiento.
Asimetría y movimiento: Las composiciones rococós son más libres y espontáneas, con figuras en movimiento y elementos decorativos que crean un efecto dinámico.
Ornamentación: El Rococó se caracteriza por una exuberante ornamentación, con motivos vegetales, conchas, guirnaldas y figuras mitológicas.
Colores claros y luminosos: Los colores pastel, como el rosa, el azul y el verde, predominan en las obras rococós, creando una sensación de alegría y ligereza.
Temática amorosa y galante: Los temas amorosos, pastoriles y mitológicos son frecuentes en el arte rococó, celebrando la belleza y el amor.
Intimidad y sensualidad: El Rococó busca crear atmósferas íntimas y sensuales, representando escenas de la vida privada y el amor.
Exponentes Destacados
Jean-Antoine Watteau: Considerado el padre del Rococó, sus obras se caracterizan por la representación de fiestas galantes y escenas pastoriles.
La peregrinación a la Isla de Cítera: Una de sus obras más famosas, que representa a un grupo de amantes que se dirigen a la isla de Cítera, considerada la isla del amor.
François Boucher: Pintor francés conocido por sus obras sensuales y alegres, que representan a mujeres hermosas en paisajes idílicos.
El baño de Diana: Una obra que muestra a la diosa Diana bañándose con sus ninfas, en un ambiente de gran sensualidad.
Jean-Honoré Fragonard: Pintor francés que se destacó por sus escenas galantes y llenas de erotismo.
El columpio: Una de sus obras más conocidas, que representa a una joven que se balancea en un columpio mientras su amante la observa desde abajo.
Obras Representativas
El Rococó se manifestó en diversas disciplinas artísticas:
Pintura: Retratos, escenas galantes, paisajes idílicos y naturalezas muertas.
Escultura: Figuras femeninas delicadas, grupos escultóricos para jardines y mobiliario.
Arquitectura: Interiores de palacios y residencias aristocráticas, con una decoración exuberante y elementos curvilíneos.
Mobiliario: Muebles de madera tallada y dorada, tapizados de seda y muebles de marquetería.
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Actividades por Clase:
Clase 1: Exploración y Conocimiento Previo
Actividad:
Presentación de imágenes de obras de arte sin identificar el estilo.
Lluvia de ideas: ¿Qué emociones transmiten? ¿Qué características observan?
Creación de un mural colaborativo con las primeras impresiones sobre ambos estilos.
Clase 2: Información Teórica: Barroco
Actividad:
Exposición sobre el contexto histórico y las características del Barroco.
Análisis de obras de Caravaggio, Bernini y Velázquez.
Creación de un cuadro comparativo entre el Renacimiento y el Barroco.
Clase 3: Información Teórica: Rococó
Actividad:
Exposición sobre el origen y desarrollo del Rococó.
Análisis de obras de Watteau, Boucher y Fragonard.
Comparación entre el Barroco y el Rococó.
Clase 4: Práctica y Transferencia: Creación Artística
Actividad:
Elección de un estilo (Barroco o Rococó).
Creación de una obra de arte individual o en grupo inspirada en el estilo elegido.
Presentación y justificación de las decisiones artísticas.
Clase 5: Evaluación y Reflexión
Actividad:
Exposición de las obras creadas.
Evaluación escrita sobre los conceptos clave.
Reflexión grupal sobre el proceso creativo y los aprendizajes adquiridos.
Materiales:
Rúbrica de evaluación.
Criterios de Evaluación:
Conocimiento: Comprensión de los conceptos clave, identificación de las características de cada estilo y capacidad para relacionarlos con obras de arte.
Análisis: Habilidad para analizar obras de arte, identificando elementos formales y contenidos.
Creatividad: Capacidad para aplicar los conocimientos adquiridos en la creación de obras de arte originales.
Comunicación: Habilidad para expresar ideas de manera clara y coherente, tanto en forma oral como escrita.
Materiales Adicionales:
Libros de arte
Películas sobre arte
Visitas a museos virtuales o reales
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¿Qué fue el ROCOCÓ? - Resumen | Definición, características y representantes.
10 Preguntas para Analizar el Video sobre el Rococó
SEMANAS 8, 9 y 10 DEL TERCER PERIODO Ó 38, 36y 37 DEL AÑO
lectura del documento
El fin del Renacimiento y el inicio del Barroco
Este movimiento no duró para siempre. Ya a partir de 1527 el movimiento renacentista empezaba a sufrir altibajos, dado que la visión que se había adquirido sobre el ser humano, idealizada y perfecta, empezaba a resquebrajarse. Los nuevos regímenes europeos, ante el temor del islam y la ya casi perpetua lucha contra esta religión, iniciaron medidas de expulsión de musulmanes, especialmente en España. Esta población había sido un auténtico motor económico, trabajando la tierra, contribuyendo en el saneamiento de las cosechas y siendo un intercambio de conocimientos entre la Cristiandad y los países islámicos. Esto conllevó a una menor producción agrícola en torno al año 1609, la cual implicó hambrunas, enfermedades como la peste y una elevada mortalidad.
La sociedad se volvió pesimista y esto influyó en el propio arte. La idea de que el hombre podía con todo se desvaneció, recuperándose en cierta manera una visión medieval del mundo, pero sin prescindir de los avances tecnológicos del siglo anterior. El mundo católico sufrió un cisma. Lutero, ante los abusos que ejercían las autoridades pontificias, propuso una reforma del cristianismo católico, que evolucionó en la creación del protestantismo. A su vez, ante esta osadía, la cúpula católica inició la Contrarreforma, con la intención de perseguir a aquellos que discrepaban y luchaban contra el poder papal. El arte se volvió en un arma propagandística contra la herejía, siendo utilizado por el papado para evitar que la población se volviera del bando de paganos y ateos.
El Barroco fue un movimiento artístico que recurrió de nuevo al pensamiento medieval, enfocándose en la religiosidad y las creencias, volviendo a tomar a Dios como centro de todo. Abarcó la totalidad del siglo XVII y principios del XVIII.
Diferencias entre el Renacimiento y del Barroco1. Enfoque filosóficoDurante el Renacimiento se desarrolla el humanismo, un movimiento que toma como foco de atención al propio ser humano, es decir, adquiere una visión antropocéntrica. Se revaloriza la cultura clásica, considerándola como la cúspide de la perfección de la civilización occidental. Además, surge un movimiento crítico que defiende el uso de la razón para acercarse a la verdad; es por ello que el Renacimiento fue un momento de grandes avances científicos, aunque no se abandonó la religión por completo.Se revaloran ideas que ya estaban presentes durante la Edad Media, como son la belleza y el amor, peroadquiriendo una perspectiva más cercana a la grecolatinas, abordando la simetría y la homogeneidad como las formas terrenales para acercarse a la perfección, una idea abstracta y metafísica.
El Barroco opta por centrarse en los contextos cotidianos, en los elementos del día a día. Comprende que el ser humano no es perfecto y pretende encontrar la belleza en ello. Los artistas y pensadores pertenecientes a esta época intentan superar al período anterior mediante la originalidad. Muchos artistas barrocos consideraban que en cierta manera el movimiento renacentista se había quedado rápidamente desfasado, limitándose a imitarse a sí mismo y ser una réplica del arte clásico.
2. ArquitecturaLos edificios renacentistas se dividen en secciones. Estas partes se basan en el arte grecolatino, en el que todo seguía un orden y se mostraba con una claridad homogénea. La arquitectura renacentista no pretende que el observador se fije en una parte concreta de la estructura, dado que la mayor parte del edificio es idéntico, sin detalles que resalten una sección por encima de las demás. Así pues, los renacentistas pretendían hacer que sus edificios fueran lo más simétricos posible, predominando los elementos horizontales frente a los verticales, inspirándose de la arquitectura de los templos de la antigua Grecia y Roma. Entre los elementos distintivos de la arquitectura renacentista se encuentran el arco de medio punto, la bóveda de cañón y la cúpula semiesférica.
Algunos ejemplos de edificios construidos durante el Renacimiento son la famosa catedral de Santa María de las Flores de Florencia, la Iglesia de Santa María Novella, el palacio de Carlos V en Granada y la catedral de Jaén. En cambio, la arquitectura propia del Barroco es menos clara. Se trata todo como si fuera un continuo, pero no está dividido en partes claras e iguales, sino que se incorporan detalles que pudieran parecer que se está ante una estructura un tanto caótica. Las fachadas barrocas suelen tener elementos que se concentran de forma muy rica y llamativa, como lo son columnas, arcos, estatuas, bajo y altorrelieve y paredes curvas. Algunos ejemplos de edificios barrocos son el Palacio Real de Madrid, la catedral de Santiago de Compostela, el palacio de Versalles y la basílica de San Pedro.
3. PinturaDurante el Renacimiento surgieron innumerables escuelas de pintura, las cuales, pese a sus divergencias, se influyeron mutuamente. La pintura renacentista mejora la perspectiva en comparación con el arte medieval. Se representa con gran detalle la anatomía humana, gracias a la mejora de las técnicas pictóricas y el uso de un nuevo estilo de pintura: el óleo. Se pretende representar de la forma más realista, pero idealizada y simétrica, al hombre y su entorno.
El Quattrocento fue el momento de éxito de grandes pintores como Masaccio, quien es considerado el primero en aplicar en la pintura las leyes de la perspectiva científica y un nuevo concepto de expresividad. Su obra fue revolucionaria, especialmente por su uso de la luz. Durante el Cinquecento surgieron los grandes del Renacimiento: Leonardo da Vinci, Michelangelo y Rafael. Es de todos conocido el famoso hombre de Vitruvio de da Vinci, una representación muy fidedigna de la anatomía humana, además de su archiconocida obra la Gioconda. La obra de Rafael es considerada la pintura estereotípica del Renacimiento, por su perfección, uso de la perspectiva y el color.Por otro lado, las figuras en la pintura renacentista se caracterizan por su dinamismo, mucho color y grandilocuencia.
En España tenemos a el Greco, cuya obra representa la combinación de los conocimientos bizantinos adquiridos en su juventud junto con las tendencias renacentistas. Sus figuras son muy expresivas, alargadas y un tanto umbrías. Pese a que se le considera renacentista, su obra está a un pie del Barroco. En cambio, el pintor barroco plasma la realidad tal como la ve y siente, con sus límites, posturas violentas, composiciones diagonales. Se enfoca en el ser humano individual. El arte se hace menos distante del público. La iglesia utiliza la pintura para mandar un mensaje menos distante y grandilocuente, que había sido la norma durante el Renacimiento.
Caravaggio es uno de los representantes del Barroco. Su obra es más humana, sin recurrir demasiado a la solemnidad. El drama está muy acentuado, mostrando un realismo psicológico. Diego Velázquez, pintor de Felipe IV, pintó grandes obras como la Rendición de Breda, el retrato del Papa Inocencio VII. Sus dos últimas obras maestras son las Meninas y las Hiladeras, con una gran cantidad de personajes puestos a diferentes distancias del frente. Estos pintores muestran entornos con claroscuros, personas realistas, con sus puntos fuertes y débiles. Los barrocos no tenían reparo alguno en mostrar la palidez o los signos de enfermedad de algunos de sus mecenas.
4. Música y poesíaLa música renacentista se caracteriza por su textura polifónica, siguiendo las leyes del contrapunto, y con cierto legado procedente del canto gregoriano. En el ámbito eclesiástico se encuentran la misa y el motete, mientras que en ámbitos más profanos se encuentran los villancicos, el madrigal y la chanson. De entre los compositores más conocidos de este período se encuentran Orlando di Lasso, Josquin des Prés, Palestrina y Tomás Luis de Victoria.
La poesía del Renacimiento sigue el estilo propio de la lírica del cancionero, hablándose de aspectos tales como el amor, la belleza en lo divino y en cierta medida aspectos mitológicos recuperados de las civilizaciones clásicas. Grandes poetas renacentistas fueron Fray Luis de León, Garcilaso de la Vega y Petrarca. La música barroca dio a la humanidad uno de los grandes géneros musicales: la ópera. Es el período en el que tradicionalmente se relaciona con lo que hoy en día entendemos por música clásica, además de los períodos posteriores. Durante el Barroco aparece la tonalidad y el uso del bajo continuo, además de surgir la sonata y el concierto. Grandes músicos de este período fueron Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi y el compositor cuya muerte puso fin al Barroco, Johann Sebastian Bach.La poesía barroca aborda temas como el desengaño, el asco por seguir viviendo, la desesperación, los temas amorosos o el inconformismo, con toques de aceptación de que realmente el ser humano difícilmente puede tener éxito y solo le cabe esperar a la muerte como inevitable final. Se trata de una poesía muy recargada, que pretende excitar la sensibilidad y la inteligencia. Los escritores barrocos buscan la originalidad y la sorpresa. Algunos poetas relevantes del Barroco fueron Luís de Góngora, Lope de Vega y Sor Juana Inés de la Cruz.
1. leer el documento2. crear un mapa mental 3. realización de un dibujo en el que se apliquen las técnicas de ambos movimientos tanto del Barroco español como del Renacimiento italiano.
- CULTURA Y TRADICIONES
La cultura colombiana está formada a partir de la herencia de los pueblos indígenas presentes en el territorio desde tiempos ancestrales, las tradiciones españolas adoptadas durante la época colonial y las costumbres africanas incorporadas por los esclavos que llevaron los conquistadores. Esta mezcla de culturas constituye una sociedad con rasgos comunes al resto de países latinoamericanos, pero, a la vez, muy diferentes también.
De hecho, incluso dentro del propio territorio colombiano existen numerosas diferencias entre unas de más de 5.000 metros de altura con nieves perpetuas- y el aislamiento natural de algunas zonas han propiciado esta diversidad.
Algunos de los grupos culturales más destacados según su ubicación son los llamados cachacos, localizados en el altiplano cundiboyacense; los paisas, asentados en Antioquia; los llaneros, pobladores de los Llanos Orientales; los vallunos, asentados en la zona del valle del Cauca; los costeños, habitantes de la costa Caribe, y los santandereanos, pobladores de los departamentos de Santander y Norte de Santander. Todos estos grupos se caracterizan por mostrar grandes diferencias culturales entre sí, lo que convierte a Colombia un país fascinante para conocer y adentrarse en el día a día de sus habitantes. La gastronomía es una expresión más de esa diversidad con ciertos rasgos comunes a todo el territorio. El maíz es uno de los ingredientes fundamentales de la cocina colombiana debido a la herencia indígena. Las arepas, unas tortas de harina de maíz, son uno de los platos más conocidos, tanto dentro como fuera de sus fronteras. Las frutas también tienen una importante presencia en la dieta de los colombianos. La variedad es tan extensa que algunas no son conocidas fuera del país, e incluso las hay que se consumen solo en determinadas regiones.
En cuanto a las bebidas, el café tiene un lugar especial en el corazón de los colombianos. Son grandes amantes de esta bebida y su calidad es excelente, siendo un producto muy cotizado por grandes marcas internacionales.
La danza en Colombia, como cualquier manifestación artística, es un reflejo del contexto en el que surge. Conoce Colombia a través de sus bailes, los cuales, a través del movimiento nos habla de la riqueza de su historia y mezcla cultural, ya que integra ritmos precolombinos, africanos y españoles.
Es por ello, que cada una de las seis regiones el país tiene una forma particular de bailar, la cual manifiesta la interculturalidad que el territorio ha presenciado a lo largo de los años.
6 danzas características de Colombia
A continuación, podrás sumergirte en 6 bailes típicos repartidos por toda la región cafetera:
El bullerengue
Es un ritmo típico de la costa del Caribe, que se realiza principalmente por afrodescendientes de Palenque de San Basilio, conocido como el primer pueblo libre de América Latina.
Se piensa que originalmente era una danza para festejar la llegada a la adolescencia y la maternidad, pero actualmente representa la fertilidad femenina. El bullerengue - caracterizado por sonidos africanos de tambor y cantos- solo lo bailan las mujeres, marcando el ritmo a pequeños pasos y con el movimiento de sus faldas.
El torbellino
Este baile de origen campesino -típico de la región andina- es espontáneo y busca expresar distintos sentimientos comunes durante un cortejo. Suele utilizarse en celebraciones importantes como fiestas patronales y bodas.
Se baila en pareja: el hombre sigue a la mujer mientras ésta trata de escapar realizando giros a su alrededor, de ahí el nombre de la danza. Posteriormente, se invierten los papeles.
El joropo
Esta danza típica de los llanos es originaria de la región de Orinoquía y se baila por igual en Colombia que en Venezuela. Tiene una fuerte influencia española, particularmente del fandango. Su nombre deriva de la palabra árabe "sorop", que significa jarabe. Además, también están presentes tintes africanos e indígenas.
Esta danza alegre, al ritmo del arpa, el cuatro y maracas, se ejecuta en pareja, con zapateado y giros, tomados de las manos y de la cintura.
El mento
Es un ritmo de origen antillano, cadencioso y muy similar a la rumba. También representa una escena de cortejo, donde las parejas bailan por separado. El hombre persigue a la mujer, la cual avanza sosteniendo sus faldas, mientras ambos realizan movimientos cortos y suaves con pies y caderas, con los hombros hacia adelante.
El bëtsknaté
De la región amazónica, uno de los bailes más característicos es el bëtsknaté, una danza ritual que representa el encuentro de las diversas comunidades del Alto Putumayo, donde se intercambian alimentos. Lo dirige el matachín mayor, que utiliza una máscara roja. Los participantes utilizan ropa blanca, capa roja y sombrero.
Se baila durante el Carnaval del Perdón, el cual tiene lugar el lunes anterior al miércoles de ceniza católico, para agradecer a la tierra por las cosechas del año.
El vallenato
De la región del Pacífico se encuentra el vallenato, específicamente de la ciudad de Valledupar. Este es, sin duda, el baile colombiano más popular y reconocido a nivel internacional. Es un ritmo alegre, con melodías románticas. El vallenato tiene distintos ritmos como el merengue, paseo, tambora y puya.
La danza es una herramienta para fortalecer el sentido de pertenencia de los habitantes de una región. Conoce Colombia a través de su música y sus ritmos, que nos hablan de su pasado y su presente, donde coexiste la influencia indígena, africana y europea, que han dado lugar a una nación con una fuerte identidad propia. Además, siempre puedes reconfortarte con la maravilla de su naturaleza.
Colombia cuenta con una numerosa cantidad de mitos y leyendas. Relatos que se han transmitido generacionalmente y que forman parte de la riqueza folclórica del país.
En cada rincón colombiano, se transmiten historias que combinan lo real y lo irreal, lo histórico y lo mítico.
A continuación, te proponemos una selección de 12 mitos y leyendas colombianos comentados, de diversa temática y de diferentes regiones del país.
El jinete negro
En el municipio colombiano de Ocaña existe una leyenda en torno a la figura de don Antón García, un caballero que vivió presuntamente durante la época colonial. Por tanto, el origen de esta narración pudo surgir durante la conquista.
Según se narra, Antón García de Bonilla era un importante hacendado que tenía a numerosas personas bajo su servidumbre. También se cuenta de su figura que le encantaban los caballos.
A día de hoy, la ciudad de Ocaña cuenta con un museo que lleva el nombre de este personaje.
Dice la leyenda que en las calles de Ocaña las gentes podían ver el fantasma del jinete negro, don Antón García, caballero de la época colonial.
El espectro iba vestido de negro, portaba un sombrero y unas alas anchas. De sus hombros caía una capa oscura y larga que le cubría todo el cuerpo. Su aspecto causaba espanto y pavor a aquellos que se lo cruzaban.
Cuentan que, en vida, hizo construir un lago en una de sus fincas, cerca del río Magdalena, para lo cual empleó mucha servidumbre. Le encantaban los caballos, y todas las noches se podía oír su caballo negro saltar por las oscuras calles del lugar.
Cuando su esposa enfermó, don Antón García le hizo una promesa a Santa Rita, patrona de los imposibles. Sin embargo, esta promesa se le olvidó y, cuando don Antón García falleció, San Pedro le ordenó acudir cada noche a visitar el Santuario de Santa Rita, hasta la consumación de los siglos.
La Madremonte
Este mito es popular en la región Amazónica de Colombiana y los Llanos Orientales. También, es conocido con otros nombres fuera de Colombia.
Tiene como protagonista a un ser denominado Madremonte o Madreselva, cuyo origen podría estar basado en las antiguas divinidades indígenas encargadas de preservar la naturaleza.
Es un ser fantasmagórico que se enfurece con todos aquellos que maltratan el medio natural, por eso, en ese sentido, ejerce de protectora.
Este mito cuenta con diferentes versiones, esta es una de ellas:
Cuenta la historia que, cuando suceden grandes temporales, vientos, inundaciones u otros desastres naturales que estropean sembrados, se pueden oír los gritos de la Madremonte. Un ser corpulento, mitad mujer y mitad monte.
Vive alejada de la civilización y aparece en mitad de los rayos y centellas. Según narran los campesinos, este ser hace perder a los niños en el bosque, los orienta por zonas desconocidas y los esconde debajo de las cascadas.
Cuando la Madremonte se baña en las fuentes o en los ríos, especialmente durante las crecidas, llena las aguas de pestes y otras epidemias.
Además, este ser maldice a los usurpadores de terreno y los dirige a los matorrales y pantanos en las noches más oscuras y tormentosas.
Dicen los campesinos que, para prevenir el encuentro con ella, llevan medallas benditas y escapularios o pepas de cabalonga en el bolsillo.
Los amantes del Telembí
Son muchas las historias surgidas alrededor de ríos, embalses y, otros espacios naturales, que despiertan cierto misterio.
En Nariño existe una antigua leyenda en torno al río Telembí. Una narración cuyo origen es desconocido y que nos presenta una historia de amor imposible entre dos miembros de diferente condición, que finalmente se torna en tragedia.
Inchima, hija del cacique de los indios Kuaikeres, se enamoró del humilde joven Telembí, quien también la amaba a ella. Pero su padre la prometió con Tanhuai, cacique de la tribu de los Cuiles.
Al enterarse Telembí del compromiso de su enamorada con otro hombre, decidió subir desesperado a una montaña. Allí se quitó la vida con una lanza envenenada.
El desposorio de Inchima y Tanhuai se celebró por todo lo alto con un gran baile. Pero la joven no estaba enamorada, así que decidió ausentarse un rato para ir a buscar a Telembí.
Cuando llegó a la cumbre de la montaña, se encontró el cuerpo de su amado tendido al borde del precipicio.
La bella muchacha tomó el cuerpo de Telembí y se lanzó con él al precipicio. A su caída, el río se desbordó y arrancó los árboles.
Desde entonces, cuentan las gentes que en las noches de luna llena aparece el espíritu de una mujer que porta en sus brazos el cuerpo de su amante en las orillas del Río Telembí.
La Patasola
Es una narración popular en la Región Andina. Denominada así por tener una sola pierna, este personaje mitológico representativo del folclor colombiano ha dado lugar a diferentes narraciones según el sitio. Es el temor de leñadores y caminantes que se adentran en el bosque. Su origen es desconocido, aunque puede verse como una posible narración inventada con en fin de transmitir el terror a las personas infieles.
En esta versión extendida de la leyenda, la Patasola era una mujer que paga las consecuencias de cometer una traición amorosa:
Cuenta la leyenda que la Patasola era una mujer joven y hermosa. Estaba casada y tenía 3 hijos con un campesino, el cual trabajaba sin descanso en la hacienda de un importante señor. Este se obsesionó con conocer a una mujer y, pronto, se fijó en la Patasola.
En la ausencia del campesino, el dueño de la hacienda coqueteaba con la mujer de este. Cuando unos vecinos se percataron de lo sucedido, alertaron al campesino. Este sorprendió a su esposa con su patrón y, enfurecido, cortó una de sus piernas a su esposa.
Dicen que el alma de esta mujer deambula por sierras, caminos y campos. Se ve como una mujer muy bella que se transforma en un monstruo con ojos rojos cuando ha conseguido atraer a alguien.
Francisco el Hombre
Esta leyendade la región Caribe tiene como protagonista a un personaje simbólico dentro del folclor colombiano. El cual, podría representar el prototipo de artista vallenatero. Sobre la identidad de este posible personaje histórico existen discrepancias, aunque apuntan a personajes como Francisco Moscote, originario de Riohacha, quien sería uno de los primeros acordeonistas conocidos en la zona.
A día de hoy, uno de los festivales más reconocidos de música valletana de Riohacha lleva el nombre de este personaje legendario.
Cuenta la leyenda que, una noche oscura, mientras Francisco el Hombre tocaba su acordeón para hacer más ameno el camino. De un momento a otro, empezó a escuchar otra melodía, pero no lograba saber su procedencia. Así, decidió batirse en un duelo musical, hasta que por fin consiguió ver de quién se trataba en la penumbra.
Cuando un poco de luz divisó el rostro de su contrincante, descubrió que era el diablo.
Entonces, Francisco el Hombre se percató de que se estaba enfrentando a su máximo duelo y entonó, como nunca antes, una hermosa melodía. También rezó el credo al revés.
Después de eso, Satanás tomó su camino a los infiernos y nunca más regresó, pues no pudo responder a tremenda habilidad con el acordeón. Francisco quedó como ganador en este duelo.
La leyenda de la Cocha
En Nariño se ubica una laguna llamada La Cocha, también conocido como lago Guamués. Sobre su origen, existe un mito antiquísimo que descubre la historia trágica de dos amantes y, cuyo descuido, hizo nacer la laguna:
Cuenta la leyenda que hace mucho tiempo las tierras de Nariño carecían de agua. Los indios pedían incansables al creador del universo, Ñamuy, que les proporcionara agua.
Un día, una pareja de enamorados, que estaban muy sedientos, fueron a una cueva en busca de agua. Allí se encontraron con un niño, a quien se la pidieron. En realidad, aquel joven era Ñamuy, quien se había convertido en un chiquito.
Al ver a los enamorados tan sedientos, Ñamuy les dio agua en una vasija. Después, la pareja se fue de allí agradecida hacia las tierras de la Cocha. Estaban muy cansados, por lo que decidieron descansar en el suelo. Sin querer, el agua se derramó del recipiente y fue expandiéndose más y más.
Es así como se formó la laguna de La Cocha.
La Cabellona
Este mito se ha transmitido en algunos departamentos de Santander y Antioquía. Este espectro aparece y desaparece por las calles de los pueblos y va caminando muy rápido. También se conoce como la Mechuda, por la larga cabellera que tiene:
Dice el mito que en los prados y calles santandereanas, algunas parejas de enamorados han presenciado el espectro de una mujer de rostro bello que oculta con su larga cabellera castaña. Va vestida de blanco y tiene las uñas muy largas.
Su objetivo es asustar a las mujeres a las que considera que son tanto o más bellas que ella era en vida. Pues se dice de ella que vivía obsesionada con su apariencia, hasta tal punto, que descuidaba otros aspectos de su vida.
Para ahuyentarla es necesario sacar unas tijeras, pues dicen que su gran temor es que le corten su larga cabellera.
El hombre caimán
En torno a las aguas del río Magdalena, a su paso por Plato, se originó esta leyenda alrededor de la figura de un antiguo pescador que habitó en aquella zona. No se conoce el inicio de esta narración, aunque fue registrada por primera vez en la prensa local hacia 1940 por Virgilio Di Filippo, periodista de la época.
A día de hoy, existe un monumento en la plaza principal de la localidad. También un festival homónimo donde se presenta el folclore local.
Narra la leyenda que en Plato vivió un hombre llamado Saúl. Este tenía la práctica de espiar a las mujeres que se bañaban en el río Magdalena.
Para no ser descubierto, decidió acudir a un brujo para que le preparara una pócima que le permitiera convertirse en caimán. Así, el hechicero le preparó dos pócimas. La primera era roja y servía para transformarse en caimán. Mientras la segunda era blanca y le permitiría volver a su cuerpo original.
Un amigo suyo sería en encargado de proporcionarle los líquidos en cada caso. En una ocasión, lo acompañó otro conocido. Entonces, este se asustó al ver al caimán y derramó sin querer unas gotas del líquido blanco en la cabeza de Saúl. De esta forma, este quedó convertido en mitad hombre y mitad caimán.
A partir de ese momento, se convirtió en el terror de las mujeres, quienes jamás volvieron a bañarse en el río.
La Candileja
Esta narración se extiende por los Llanos Orientales y, aunque su origen es desconocido, se fue extendiendo entre los campesinos de generación en generación.
La Candileja es un ser mitológico, descrito como una bola de fuego que tiene extremidades como tentáculos. Tres llamas que simbolizan el cuerpo de la mujer y el de sus dos nietos.
Su apariencia es producto del castigo que tuvo que pagar por ser demasiado compasiva y tolerante con las fechorías de sus nietos:
Cuenta la leyenda que, hace muchos años, vivía una anciana con sus dos nietos. Estos eran muy conocidos por sus travesuras, en las que incluso implicaban a su abuela y la ponían en peligro. También llegaron a utilizarla como caballo de carga.
Cuando la anciana falleció, Dios la sentenció a purgar sus penas como abuela poco severa con sus nietos entre tres llamaradas de candela, las cuales representaban a la mujer y a sus dos descendientes.
Dicen que la mujer suele aparecer en la sosegada madrugada. Sorprende a las gentes en los caminos solitarios, persigue a los enamorados, a los borrachos y los infieles. No tiene piedad con quienes cometen injusticias.
En cambio, es muy compasiva con los niños perdidos, a quienes sirve de guía en su vuelta a casa.
La Mancarita
Aunque su origen es incierto, esta narración se extiende por Santander, el Norte de Santander y Boyacá. Tiene como protagonista a un ser con apariencia de mujer, cuyo espectro ahora vaga por los caminos.
Este mito podría tener un carácter aleccionador. En este sentido, la suerte de la Mancarita representaría las consecuencias que tiene ser chismoso.
Cuenta esta leyenda que, hace años, en las tierras santandereanas, vivía una mujer manca que atendía al nombre de Rita. Tenía fama de ser muy chismosa y le gustaba avivar discrepancias entre los paisanos.
Pronto, los habitantes del lugar la desplazaron y relegaron al olvido, pues la mujer no hacía más que dañar sus vidas con las historias que inventaba sobre ellos.
En las noches muy oscuras su imagen se convierte en el terror de los caminos. Su aspecto atemoriza a los animales y viajeros. Tiene la cabellera larga, todo el cuerpo cubierto de pelo y los pies vueltos hacia atrás.
Los sonidos que emite dejan paralizados a quienes los escuchan, ya que son una mezcla de gritos de mujer y llanto de los niños.
El Mohán
En el folclore tolimense, destaca un ser mitológico conocido como Mohan. Un personaje descrito físicamente con apariencia humana, cabello largo, ojos grandes y pícaros y uñas largas.
Son distintas las versiones de este mito, cuyo origen es desconocido, pero que se ha transmitido durante años en Tolima. Esta es una versión del mito:
Narra esta historia que, en los charcos más hondos, ríos y desfiladeros, vivía un ser conocido como Mohán.
Este personaje aparecía repentinamente en la orilla de los ríos, atemorizando y raptando a jóvenes, también a los campesinos. Con sus artimañas conseguía encantarlas y enamorarlas, para después llevárselas. Posteriormente, jamás se volvía a saber del paradero de estas mujeres.
El Hojarasquín
Los bosques son lugares que siempre han despertado gran misterio para la humanidad. En la mitología mundial existen diferentes seres que habitan en ellos.
Segundo periodo
PLANES DE APOYO DEL SEGUNDO PERIODO 8° ENTREGAR COMPLETAMENTE DILIGENCIADO Y PREPARAR LA SUSTENTACIÓN EN LAS FECHAS ESTIPULADAS POR LA INSTITUCIÓN EDUCATIVA.
Indicadores
Evaluación
Semanas 11, 12 y 13 del segundo periodo
Motivación / Exploración de saberes:
Observa la imagen y responde las preguntas
Cuantas viñetas observas en la imagen
Describe lo que sucede
Cuáles son los personajes
Información teórica:
Ejemplo:
Ayudas digitales:
¿Qué es una historieta?
La historieta o cómic es una forma de expresión artística y un medio de comunicación que consisten en una serie de dibujos, dotados o no de texto de acompañamiento, que leídos en secuencia componen un relato o una serie de ellos. Suelen ir enmarcadas en viñetas, que son recuadros adaptados en forma y estilo al contenido narrativo o humorístico de la historia.
La historieta es una forma de expresión bastante difundida en la historia de la humanidad, remontándose a formas pictóricas de representación narrativa como la presente en los jeroglíficos egipcios, pero adquiere su potencia real mediante el humor político, frecuente en las sociedades occidentales desde la época del Imperio Romano.
Las viñetas de humor político representaban a los poderosos o a los gobernantes en situaciones soeces o atrevidas, por lo que a menudo eran anónimas y prácticamente ilegales. Sin embargo, la invención de la imprenta y de la litografía permitiría su masificación junto con los periódicos.
A pesar de que muchos le asignaron durante años un lugar más bien secundario, la historieta ha sabido sobrevivir a los tiempos y convertirse hoy en el Noveno Arte.
Ha habido grandes y reconocidos cultores de este género, tanto en Europa como en las Américas, entre los cuales destacan los estadounidenses Will Eisner y Art Spiegelman, los argentinos Oesterheld, Franquin, Trillo, Breccia y Altuna, o ilustradores contemporáneos como el escandinavo Jason, el italiano Milo Namara o Guido Crepax, entre muchos otros.
Elementos de una historieta
Una historieta comprende y articula los siguientes elementos:
Viñetas. Los recuadros en los que tiene lugar la acción (y la ilustración) de la historia, y que sirven para separarla del resto del contenido de la página. Entre una viñeta y otra se considera que transcurrió un intervalo de tiempo, que puede ser largo (años) o brevísimo (segundos) a conveniencia del autor.
Ilustraciones. Los dibujos que transmiten al lector lo que ocurre. Estos pueden ser de diversa naturaleza, desde dibujos simples y caricaturescos hasta ilustraciones pseudofotográficas y de enorme realismo.
Globos de texto. No siempre aparecen en las historietas, pero sirven para englobar los diálogos de los personajes y dejar en claro quién dice qué. También se los conoce como fumetti o bocadillos.
Íconos y signos propios. Los cómics emplean una simbología propia que constituye su lenguaje para representar movimiento, emociones, etc. Este tipo de signos son convencionales (hay que aprender qué significan) pero constituyen un lenguaje bastante universal. Existe una vertiente nipona (heredera del manga) y otra occidental y más tradicional.
PASOS PARA ELABORACIÓN DE UNA HISTORIETA
Los pasos para elaborar una historieta son, en principio, simples, pero metódicos. Como todo en la vida, hacerlo con maestría requerirá práctica, pero podemos ordenarlos en tres grandes momentos:
Conceptualización. El primer paso, como siempre, es sentarse a pensar en qué queremos contar y cómo. ¿Qué tipo de historia queremos contar? ¿Con qué tipo de dibujos queremos contarla? ¿Cuáles y cómo serán los protagonistas, los antagonistas, y cuál es el guion a seguir? De todo se deben hacer bocetos y practicar hasta dominar cada personaje.
Creación. Una vez sepamos qué hacer, podemos empezar por rotular la hoja, es decir, organizar las viñetas en la hoja según el estilo de nuestra narrativa. Uno más convencional requerirá viñeta tras viñeta en una relación de dos o tres por página, mientras que una más vanguardista puede romper el flujo narrativo o emplear la página entera. Hecho eso, deberemos añadir en cada viñeta la ilustración que deseamos: contar lo que ocurre.
Revisión. Una vez contada la historia, deberemos añadir los detalles mínimos: los signos que esclarecen la situación, el texto en los bocadillos, el texto de soporte, etc. Es el momento de revisar que la acción sea lógica y que no haga falta ninguna aclaración para seguir el hilo narrativo. Entonces podemos añadir texturas y otros aspectos más decorativos.
Aplico lo aprendido:
Termina la siguiente historieta, rellena los cuadros de texto, píntala y crea una escena final en el último cuadro o viñeta.
Semanas 8 , 9 y 10 del segundo periodo
Desempeños: Sabe la importancia de comunicar sus emociones mediante lenguajes artísticos.
Eje tematico: El collage
Propósito: Reconocer la importancia del collage como obra artística que utiliza diferenetes elementos para su elaboración, creando cuadros unicos para la historia del arte.
Semana 8
Motivación – exploración:
crea un acróstico con la palabra collage y después responde la pregunta:
C
O
L
L
A
G
E
¿Qué es un callage y cómo se hace?
Conceptualización - contextualización:
DEFINICIÓN DE COLLAGE
El término collage, de origen francés, hace mención a una técnica artística consistente en la unión de distintos elementos. El collage suele incluir diversos materiales e imágenes en la composición de una misma obra.
Por ejemplo: “Hice un collage con fotos de mi nieto: quedó hermoso”, “El artista presentó un collage realizado con flores autóctonas”, “El nuevo libro del escritor húngaro es un collage de poemas, cuentos breves y crónicas”.
Grandes artistas que incursionaron en el collage
Un collage, en definitiva, es un ensamble de componentes variados que adquieren un tono de unidad. Este tipo de obras es frecuente en las artes plásticas: Max Ernst, Marcel Duchamp, Pablo Picasso y Henri Matisse son algunos de los artistas que crearon famosos collages. Muchos estudiosos aseguran que Picasso fue el creador del collage, y señalan que la primera pintura perteneciente a esta técnica es Naturaleza muerta con silla de rejilla. Sin embargo, también están quienes se oponen a esta teoría señalando que el título pertenece a Georges Braque; uno de sus primeros trabajos de collage es Tête de femme, publicado en 1912, el mismo año que la pintura de Picasso.
La dificultad de determinar el primer collage reside en que no todas las obras de estos y otros artistas de la época fueron publicadas, ni tuvieron la misma repercusión. De todos modos, lo que
verdaderamente importa es que en poco tiempo esta técnica provocó un gran interés en el mundo del arte, y así surgieron muchas de las obras que hoy en día la representan. Además, su repercusión llegó a movimientos como el futurismo y el dadaísmo, los cuales se enriquecieron adoptando algunas de sus características.
Si bien la primera asociación que se hace al oír el término collage nos lleva al terreno de la pintura, toda manifestación artística puede usar técnicas análogas para conseguir una combinación de materiales, formas y texturas.
Arte
Artistas de diferentes estilos han incursionado en el collage.
El concepto en la fotografía y en otros ámbitos
La combinación de distintas imágenes en un mismo trabajo visual recibe el nombre de collage. Es habitual tomar varias fotografías y unirlas en un collage, ya sea en papel o en formato digital. Diversas aplicaciones online, de hecho, ofrecen la posibilidad de crear collages. El usuario debe elegir qué imágenes quiere utilizar y el software brinda diversas plantillas para la disposición de las fotos en el collage.
Supongamos que una persona quiere desarrollar un collage de sus vacaciones. Para cumplir con su objetivo ingresa a un sitio web que permite la creación de collages y elige una plantilla con cuatro espacios. Luego sube cuatro fotografías de las vacaciones y crea el collage en cuestión.
Más allá de lo visual, se conoce como collage a cualquier obra que presenta elementos de características variadas. Un álbum musical con canciones de distintos estilos y un libro donde el autor explora varios géneros pueden ser llamados collages.
¿Collage, colaje o collage?
Es importante señalar que el Diccionario panhispánico de dudas, publicado por la Real Academia Española desde el año 2005, propone el uso de la adaptación gráfica colaje en lugar de la voz francesa, y define el concepto como la técnica pictórica que consiste en adherir varios materiales sobre una tabla o un lienzo, y también como las obras que se realizan siguiendo dicha técnica.
Por otro lado, en la misma fuente encontramos la adaptación colage, aunque recomienda el uso de la mencionada en el párrafo anterior por analogía con las demás incorporaciones de voces francesas a nuestro idioma con la terminación -age, entre las cuales podemos destacar masaje, bricolaje y bagaje.
Con respecto a su etimología, el origen de la palabra collage se encuentra en el verbo coller del idioma francés, el cual se traduce como «pegar«. Esto explica que un collage pueda crearse íntegramente con fotografías, objetos de uso cotidiano y trozos de papel de diferentes formas, fuentes y materiales pegados sobre una superficie.
Semana 9
Aplicación - producción:
Realización de un collage en relieve a Partir de materiales diversos recolectados por el estudiante tales como: imágenes de objetos y elementos que hagan parte de sus intereses personales (pasatiempos, familia, naturaleza, música, deportes, mascotas, objetos, entre otros).
Evaluación: Se evalúa la imaginación creadora por medio del dibujo elaborado por los estudiantes.
Semanas 5, 6 y 7del segundo periodo
Propósito: Identificar el paisaje como medio de expresión gráfica y búsqueda por imitación de la fotografía
Importante: Lee atentamente el taller y realiza las actividades en su totalidad
Motivación – exploración:
El paisaje:
Conceptualización - contextualización:
Clase 1 Semana 5
Clase 2 semana 6
Clase 3 semana 7
Aplicación - producción:
Clase 1 semana 5
Realiza el siguiente paisaje a blanco y negro, aplicando luces y sombras en los lugares indicados.
Clase 2 Semana 6
Elaboración de un paisaje a color.
Clase 3 semana 7
toma una fotografía de un paisaje y en equpos de cuatro estudiantes pintalo.
Descripción de actividad: creación una pintura de gran formato en equipos de 4 estudiantes a partir de una fotografia de un paisaje urbano que deben tomar con anterioridad.
- 1/2 pliego de carton paja
- vinilos en colores primarios y blanco y negro
- pinceles
- bolsas de basura
- camisa vieja o delantal
- fotografia de un paisaje urbano
- lápiz
- borrador
- sacapuntas
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